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Che volete che siano sei anni quando il disco prima lo si era aspettato ventidue? Laddove ne erano bastati quattro, dal ’91 al ’95, al quintetto di Reading per passare dagli altari cui veniva elevato per “Just For A Day” (uno dei tre classici conclamati dello shoegaze essendo gli altri “Loveless” dei My Bloody Valentine e “Nowhere” dei Ride) alla polvere in cui veniva trascinato per l’incompreso ma da rivalutare “Pygmalion”. Tappa intermedia quel “Souvlaki” che taluni fra i cultori della band preferiscono al debutto e lo si annota per sottolineare quanto fosse solido il lascito dei Nostri. Quanto grande per Neil Halstead e Rachel Goswell, che avevano poi condiviso un’altra avventura affatto diversa ma al pari memorabile chiamata Mojave 3, l’azzardo di riconvocare i vecchi sodali Christian Savill, Nick Chaplin e Simon Scott e tornare in pista come Slowdive. Ci credevano così tanto da battezzare con il nome del gruppo l’(in)atteso quarto lavoro in studio: sostanzialmente una sintesi (notevole eccezione la ballata pianistica Falling Ashes) dei primi due lontanissimi predecessori, fragorosamente estatici, mentre “Everything Is Alive”, che paradossalmente si potrebbe considerare come il tipico “difficile secondo album”, sposta i paletti flirtando con l’elettronica come già “Pygmalion”. Con esiti eccellenti.

Stesso numero di brani del predecessore del 2017 (otto, per complessivi 41’37”) è meglio a fuoco del giurassico antecedente. Più vario anche, nel percorso dalla ballata dal cuore motorik Shanty al post-punk di impronta Cure The Slab. Certi pallidi emuli odierni possono solo sognarsi sia il dream pop sul serio onirico di Prayer Remembered che una Alife seducente con brio. O un’altra qualunque fra le quattro tracce non citate.

Pubblicato per la prima volta su “Audio Review”, n.457, ottobre 2023.

Atteso, il secondo album dei newyorkesi Geese, non perché si sia fatto desiderare chissà quanto (esce il 23 giugno, dunque a poco più di un anno e mezzo da “Projector”) ma perché il brillante debutto aveva segnalato nei titolari una delle band più originali di quella sterminata scena che va (diciamolo: il termine è talmente inflazionato da rischiare di diventare squalificante) sotto il nome di “post-punk”. È che a stimolare la curiosità, e alzare se possibile il livello delle aspettative, ha provveduto la canzone omonima, che lo ha anticipato di un paio di mesi e nel cui titolo l’accento va posto su “Country”. Proprio quello, al netto di una chitarra che jazzeggia e premettendo un bel “alt-” come da scuola Uncle Tupelo/Wilco, è la suddetta e deliziosa ballata: scelta spiazzante per una band da molti accostata (quegli altri sono in realtà, nella loro fisicità estrema, assai più cerebrali) ai britannici black midi.

E il resto? Detto di una Cowboy Nudes che, terza in scaletta le va subito dietro pigiando ancora di più sul pedale della tradizione e però concedendosi a metà un break percussivo superlatino e di una Tomorrow’s Crudades che, parecchio più avanti (penultima in un programma di undici), potrebbe arrivare da un disco di Terry Allen, gira da altre parti. Da molte altre parti. Se l’iniziale 2122 omaggia i Rush nel titolo e i Contortions nello svolgimento, I See Myself e Gravity Blues stimolano il sospetto che i Nostri abbiano mandato a memoria “Abbey Road”. Se Crusades sono i Modern Lovers più devoti ai Velvet, St.Elmo sono dei Velvet in botta soul. Se Mysterious Love ci ricorda che i Radiohead il nome l’hanno preso dai Talking Heads, Undoer è Frank Zappa che per “Waka/Jawaka” convoca in studio Tim Buckley.

Pubblicato per la prima volta su “Audio Review”, n.454, giugno/luglio 2023.

Se una cosa si poteva rimproverare ai londinesi Shame ─ giovanissimi quando debuttavano nel 2018 con il contundente, ruggente, a tratti feroce “Songs Of Praise” ─ era un’eccessiva aderenza ai due modelli peraltro da lungi con più tentativi di imitazione da quelle parti, Fall e Gang Of Four. Valeva ancora per il secondo e comunque formidabile album, datato 2021, “Drunk Tank Pink”, per quanto più che cavarsela con l’abusata etichetta “post-punk” si potesse e dovesse continuare a parlare nel loro caso di “post-hardcore”. Erano “non per tutti, ma impressionanti” e impressionanti restano, ma per due ragioni una conseguente all’altra: perché, avendo inteso che con un terzo lavoro in studio sulla falsariga dei predecessori si sarebbero infilati in un vicolo cieco, hanno preferito cambiare; e per come l’hanno fatto.

Che si tratti di tutt’altra musica provvede a chiarirlo già l’iniziale Fingers Of Steel, mischiando incongruamente quanto felicemente i DNA di Arcade Fire (i primi) e Buzzcocks, e se come azzardo non vi pare abbastanza ecco tallonarla Six-Pack, che fra le dieci tracce che sfilano in “Food For Worms” è l’unica in cui il fantasma di Mark E. Smith fa una comparsata, ma per incontrarne un altro che non ti aspetteresti mai, Jimi Hendrix, e portarlo a un concerto dei black midi. Ascoltare per credere, anche se in fondo sorprende appena meno del fatto che subito dopo gli Shame declinino in Yankees classico indie rock da medi ’90, che in Orchid dispieghino chitarre acustiche (torneranno nella conclusiva All The People) e persino un piano, in World Gets Better scintilli del jazz, in Different Person si palesino quei Talking Heads evocati al giro prima ma lì mai concretizzatisi.

Pubblicato per la prima volta su “Audio Review”, n.451, marzo 2023.

“Invettive per la classe lavoratrice su basi di elettronica minimalista”: così gli Sleaford Mods – il cantante ma più che altro comiziante Jason Williamson provvede alle prime, il dj Andrew Fern alle seconde – riassumono uno stile e un sound che possono piacere o no ma perlomeno sono inconfondibili. Altri hanno provveduto a descriverli così: “loop punitivi di basso pugilistico post-punk a disegnare ritmi funzionali ma poco attraenti con sopra elementari riff tastieristici e svogliati tocchi di chitarra”. Fern la mette giù più semplice: “Un pattern di drum machine scrauso e una linea di basso”. Non sembrerebbe la formula alchemica per trasformare ogni disco in oro ma, pubblicato da una settimana, nel momento in cui scrivo il dodicesimo album del duo di Nottingham (sarebbe in realtà il settimo visto che nei primi quattro e ultraclandestini Fern non c’era e che quello che dava il “la” al sodalizio non era che un CD-R; impagabile il titolo: “Wank”) è terzo nelle classifiche UK, migliorando di una posizione il piazzamento del precedente “Spare Ribs” e di sei quello di “Eton Alive”. Che era nel 2019 il disco con il quale questi due bruttissimi ceffi (vista la copertina?) e finissimi ingegni cominciavano a diventare enormi. Un’istituzione dalle parti di casa loro in maniera non dissimile da come lo furono Ian Dury e Mark E. Smith ed è, in altro ambito, Ken Loach.

Premesso che a non essere britannici si perde metà del loro senso della vita, c’è da sottolineare come musicalmente costoro si stiano sempre più affinando. “UK Grim” è per lunghi tratti irresistibile. In particolare quando gira più dalle parti di Ian Dury (Right Wing Beast, So Trendy) che da quelle di Mark E. Smith (Don, Pit 2 Pit).

Pubblicato per la prima volta su “Audio Review”, n.452, aprile 2023.

“I was a punk before you were a punk”, rivendicavano in un loro celebre brano i Tubes, che poi punk se non un po’ in spirito non lo furono mai. “I was post-punk before punk”, potrebbe rivendicare Gina Birch, che fondava le Raincoats con Ane de Silva nel 1977 dopo avere assistito a un concerto delle Slits e sceglieva il basso come strumento perché, avendo quattro corde invece delle sei di una chitarra, immaginava sarebbe stato più facile imparare a suonarlo. Da lì a due anni un quartetto tutto al femminile esordiva a 33 giri con un lavoro omonimo in cui in effetti del punk c’è più che altro lo spirito ma si va oltre, molto oltre, miscelando folk e free jazz, reggae e funk, dub e assortite influenze world. Epocale e adorato da Kurt Cobain, che nel 1993 persuadeva le Raincoats a rimettersi insieme (si erano sciolte nell’84, dopo avere pubblicato altri due ottimi LP e una cassetta su ROIR) per un tour di spalla ai Nirvana che sfortunatamente (per la ragione che potete immaginare) non si concretizzerà mai.

Apprezzata videomaker e pittrice, trent’anni dopo e prossima a compierne sessantotto la Birch si toglie lo sfizio di debuttare da solista con un album prodotto da Youth, con Thurston Moore ospite e che esce per l’etichetta di Jack White. Facendo come niente fosse piazza pulita del 99% del cosiddetto post-punk odierno con undici brani egualmente quanto diversamente micidiali: si tratti della dub poetry esultantemente declinata nella traccia inaugurale e omonima e in Digging Down o dell’alt-rock alla Breeders Wish I Was You, del punky reggae party Pussy Riot, del girl pop-goes-noise di I Am Rage o di una Feminist Song dal delicato all’innodico. Dance Like A Demon, titola un altro pezzo: e non ci si può esimere.

Pubblicato per la prima volta su “Audio Review”, n.452, aprile 2023.